Odissee, ossa e galline: quali sono i migliori film del 2026 finora?

Abbiamo superato il giro di boa del 2026, ed è il momento di ripensare ai film che hanno già reso speciale il nostro anno.

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Il criterio per questa lista è il seguente: i film devono essere usciti nelle sale europee – o online – da gennaio 2026 in poi, indipendentemente dal fatto che alcuni titoli siano arrivati negli Stati Uniti lo scorso anno.

Prima di iniziare il nostro conto alla rovescia verso il miglior film dell’anno finora, non stupitevi se non trovate titoli come The Blue Trail, The Voice of Hind Rajab, Sorda o Sirāt. Sono usciti nell’Europa continentale lo scorso anno e hanno già conquistato la nostra lista dei migliori film del 2025.

Senza ulteriori indugi, ecco i titoli da spuntare assolutamente dalla vostra watchlist, se non l’avete già fatto.

20) Send Help

Ad aprire la nostra lista c’è un horror originale vietato ai minori, allegro nella sua ferocia, firmato dal leggendario Sam Raimi. La premessa di Send Help è semplice: Rachel McAdams interpreta una ricercatrice aziendale poco valorizzata, mentre Dylan O'Brien è il compiaciuto CEO nepo baby che le ha reso la vita un inferno – finché un incidente aereo li lascia bloccati su un’isola remota. La gerarchia d’ufficio crolla in modo spettacolare. Non è di certo l’idea più innovativa, ma McAdams e O'Brien hanno una chimica fantastica, Raimi offre tutto lo splatter sopra le righe e camp che ci si aspetta, e ci sono abbastanza colpi di scena da tenervi incollati fino alla fine. La definizione perfetta di film da popcorn. TF

19) I Swear

Basato sulla straordinaria storia vera di John Davidson, a cui venne diagnosticata la sindrome di Tourette da adolescente nella Scozia degli anni Ottanta, I Swear segue il suo percorso da studente bullizzato fino a diventare il militante che riceverà poi un MBE per il suo impegno. Alcuni spettatori potrebbero storcere il naso di fronte alla sua formula edificante e pensata per compiacere il grande pubblico, ma l’interpretazione protagonista di Robert Aramayo, premiata ai BAFTA, insieme all’ottimo supporto di Maxine Peake e Peter Mullan, solleva il film ben oltre i cliché. È costantemente divertente, sincero ed educativo, senza mai risultare moralista. Gli insulti rivolti a Davidson dopo le sue esplosioni involontarie ai BAFTA di quest’anno sono stati un chiaro promemoria del fatto che il pregiudizio contro cui combatte da decenni esiste ancora – ed esattamente del perché storie come I Swear devono ancora essere raccontate. TF

18) Mother Mary

Lo sceneggiatore e regista David Lowery (A Ghost Story, The Green Knight) dirige Anne Hathaway nei panni della pop star del titolo, alla disperata ricerca di un comeback. Si presenta alla porta dell’ex amica e stilista Sam Anselm (Michaela Coel) e la supplica di creare un abito per un prossimo concerto da headliner. Il vestito deve incarnare la reinvenzione di Mother Mary. Poi le cose si fanno strane... Mother Mary è un dramma da camera intriso di inquietudine che evolve in una storia di fantasmi gotica, in cui il metafisico incontra lo spirituale e alla fine conduce all’esorcismo di un trauma condiviso. Risolutamente strano e volutamente verboso, Lowery realizza il psychodrama ideale da accoppiare in un double bill deformato con In Fabric di Peter Strickland. E, più di tutto, firma un’opera audace ed esuberante che vi resterà addosso. Come un pezzo di tessuto rosso scintillante. DM

17) Twinless

A prima vista, Twinless sembra una commedia stramba su due sconosciuti uniti da un lutto comune. Ma il secondo lungometraggio di James Sweeney si rivela lentamente qualcosa di molto più stratificato: un’esplorazione acuta, emotiva, bizzarra e spesso scomoda della perdita, della solitudine, dell’amore e del bisogno di essere visti. Con Dylan O'Brien che offre forse la prova più forte della sua carriera, e Sweeney che si conferma un autentico talento a tutto tondo – sceneggiatore, regista e attore – questo film meravigliosamente strano, esilarante e straziante è assolutamente da non perdere. TF

16) Jim Queen à la recherche de la Chloroqueer (Jim Queen and the Quest for Chloroqueer)

Presentata a Cannes, questa commedia animata è uno dei successi sorpresa della Francia e sicuramente da non sottovalutare. Per il loro esordio alla regia, Nicolas Athané e Marco Nguyen raccontano la storia di Jim, un’icona gay della scena parigina la cui vita viene stravolta quando commette un passo falso di stile e inizia a capire la regola del fuorigioco nel calcio... È accaduto il peggio: ha contratto l’Heterosis, diventando l’ultima vittima di un’epidemia virale che trasforma gli uomini gay in eterosessuali. Tocca a lui e al nuovo amico twink Lucien cercare una cura che possa salvare i gay dall’estinzione. Jim Queen è una dichiarazione d’amore divertente, irriverente e autoironica alla comunità LGBTQ+. È un appello alle armi figlio del COVID che affronta l’omofobia e le minacce che le persone gay continuano ad affrontare nella società contemporanea. Presentando in modo satirico l’eterosessualità come un virus, smonta l’eteronormatività senza dimenticare di prendere in giro anche la comunità queer, mettendo così tutti sullo stesso piano e mandando a quel paese l’intolleranza. Un trionfo. DM

15) Obsession

Un desiderio totalizzante porta a spargimenti di sangue e teste fracassate nella rilettura distorta della dipendenza affettiva firmata da Curry Barker. Dopo che Bear (Michael Johnston) esprime il desiderio che la sua migliore amica Nikki (Inde Navarrette) "lo ami più di chiunque altro al mondo", lei viene immediatamente posseduta – e diventa sempre più instabile nella sua disperazione. Questo è l’opposto di una storia d’amore: un’espulsione sanguinaria di infatuazioni tossiche, aspettative disfunzionali e immaturità emotiva. L’interpretazione di Navarrette spicca per la sua visceralità straziante; i suoi sorrisi tirati sono sempre in guerra con l’angoscia del sé perduto. Simile a Backrooms (ci torniamo tra poco), Obsession annuncia una nuova era dell’horror: audace, innovativa e scavata nel subconscio sinistro dell’età digitale. AB

14) Amélie et la métaphysique des tubes (Little Amelie or the Character of Rain)

Basato sul best seller autobiografico "Métaphysique des tubes" di Amélie Nothomb, questo film d’animazione franco-belga ambientato negli anni Sessanta segue una bambina che vive a Kobe, in Giappone, una città segnata dalle cicatrici della guerra. Alla nascita, ad Amélie viene diagnosticato uno stato "vegetale". La voce fuori campo, però, ci dice che è qualcosa di più... Al suo secondo compleanno, un terremoto la fa risvegliare, la libera dalla condizione vegetativa e la spinge a reagire a tutto ciò che la circonda. Le registe Maïlys Vallade e Liane-Cho Han costruiscono un commovente omaggio all’infanzia, ai legami interculturali e al potere del cioccolato belga. È una storia avvincente sulla magia della consapevolezza nei primi anni di vita, ma anche un viaggio verso la comprensione di non essere il centro divino dell’universo, bensì parte di un tutto. Con una splendida animazione 2D che combina stili europei e giapponesi e una colonna sonora mozzafiato di Mari Fukuhara, Little Amelie or the Character of Rain dimostra ancora una volta come l’animazione, così spesso liquidata come "roba da bambini", possa affrontare alcune delle emozioni più complesse attraverso storie all’apparenza semplici. DM

13) The Invite

Dopo il suo eccellente esordio Booksmart (2019) e il successivo Don't Worry Darling (2022), molto discusso e decisamente meno riuscito, Olivia Wilde torna in forma con il suo terzo film, probabilmente il migliore finora, The Invite. Remake del film spagnolo del 2020 Sentimental di Cesc Gay, è incentrato su Joe (Seth Rogen) e Angela (Olivia Wilde), una coppia stanca e infelice che invita a casa i vicini del piano di sopra, Pina (Penélope Cruz) e Hawk (Edward Norton), per passare una serata insieme. La loro intensa vita sessuale si è già fatta sentire a lungo attraverso il soffitto, ma con il procedere della serata le chiacchiere imbarazzate lasciano spazio a un’esplorazione irresistibilmente comica e inaspettatamente toccante dell’amore, del desiderio e delle relazioni contemporanee. TF

12) The Odyssey

Ha resuscitato Batman, messo a segno un furto onirico, viaggiato nello spazio e vinto diversi Oscar per il suo biopic di tre ore sulla nascita della bomba atomica... Cosa fa dopo Christopher Nolan? Abbraccia il suo Kubrick interiore, senza temere scala né ambizione, e adatta la più antica opera letteraria conosciuta, al limite dell’inadattabile. Come se non bastasse, ha girato tutto in IMAX, per una prima mondiale. Pur essendo senza dubbio il suo progetto più ambizioso, e benché ci sia moltissimo da ammirare in questo colossale risultato tecnico, la sua versione dell’epopea fondativa di Omero è un’opera irregolare. La predilezione del regista per le strutture narrative non lineari si rivela un ostacolo, e The Odyssey risulta spesso zoppicante a causa di scelte di montaggio impacciate e problemi di ritmo nella prima metà. Inoltre, si sarebbe potuto dedicare più tempo alle pericolose avventure di Ulisse per far sì che il senso di meraviglia si imprimasse davvero. Quando il film trova finalmente una forma più concentrata nell’ultimo atto, avrete provato stupore, ma non molto in termini di emozione legata ai personaggi. Né divertimento, di cui l’epopea omerica è piena. Anche se The Odyssey non è il capolavoro assoluto che molti, travolti dall’hype, stanno inneggiando, è innegabile che solo Nolan avrebbe potuto portare a termine un evento cinematografico di tale audacia. DM

11) Marty Supreme

Una discesa adrenalinica nel caos e nelle catastrofi dell’inseguire un sogno, Marty Supreme non è adatto ai deboli di cuore. Ambientato nella New York degli anni Cinquanta, in pieno euforico dopoguerra, segue un giovane di nome Marty Mauser (Timothée Chalamet), disposto a tutto – persino a sfidare un boss mafioso furioso – pur di diventare il più grande campione di ping pong al mondo. Intriso del marchio di fabbrica di Safdie, quella tensione cinematografica che mette ansia solo a guardarla, è un tour de force di nervi messi a dura prova che vi farà sbirciare dallo spazio tra le dita sussurrando "oh no". Ma è anche un ritratto sensoriale e avvincente di personaggio che, mentre tesse il caos, smonta con grande abilità il Sogno americano. AB

10) The Drama

In questa cupa satira, Kristoffer Borgli prende il candore zuccheroso delle commedie romantiche e lo ribalta, mettendo a nudo le viscere poco piacevoli delle relazioni di lunga durata. Dopo un incontro fortunato in una caffetteria, Emma (Zendaya) e Charlie (Robert Pattinson) si innamorano e si fidanzano. Con l’avvicinarsi del matrimonio, le ansie emergono – e un gioco alcolico dal titolo "qual è la cosa peggiore che hai mai fatto?" trasforma all’istante la loro relazione apparentemente perfetta da Instagram in un inferno. È una demolizione affilatissima degli ideali nell’era della falsità sui social, che si muove tra passato e presente per catturare le menzogne stratificate delle nostre identità. Riderete, vi sentirete a disagio e vi ritroverete a riflettere: conosciamo davvero qualcuno? Anche noi stessi? AB

9) Mr Nobody Against Putin

All’inizio dell’anno, un tribunale russo ha vietato la distribuzione di Mr Nobody Against Putin, dopo che le autorità hanno sostenuto che il documentario, vincitore dell’Oscar, promuoveva "atteggiamenti negativi" nei confronti del governo e della guerra in Ucraina. Se questo atto palese di censura non basta a farvi salire la curiosità, non sappiamo cosa possa farlo. Diretto da David Borenstein e da Pavel "Pasha" Talankin, il film segue Talankin – un insegnante ribelle che filma di nascosto una scuola a Karavash, nella regione di Čeljabinsk. Girate nell’arco di due anni, le sue immagini raccontano come l’amministrazione Putin cerchi di controllare la percezione pubblica della guerra in corso in Ucraina. Il potente exposé mostra come nelle classi, dopo il 2022, siano state introdotte lezioni di propaganda a favore della guerra e "manifestazioni patriottiche", mettendo in luce le "innumerevoli piccole azioni di complicità" di cui Talankin ha parlato durante il suo discorso di ringraziamento agli Oscar. È una storia di indottrinamento, radicalizzazione e militarizzazione, ma soprattutto un racconto sul coraggio di un uomo che è tutt’altro che un "nessuno". Ha offerto non solo un ritratto della vita quotidiana in Russia al pubblico occidentale, ma anche un’istantanea illuminante della guerra delle idee che dovrebbe metterci a disagio. I suoi echi occidentali sono evidenti. E allarmanti. DM

8) In die Sonne schauen (Sound Of Falling)

Il primo film della regista tedesca Mascha Schilinski, Dark Blue Girl del 2017, era promettente ma nulla poteva prepararci a Sound of Falling, che le è valso il Premio della Giuria al Festival di Cannes dello scorso anno. È un confondente dramma di formazione che segue quattro generazioni di ragazze legate da una cupa fattoria nella regione dell’Altmark. Spostandosi tra quattro periodi storici (prima della Prima guerra mondiale; dopo la Seconda; la Germania dell’Est negli anni Ottanta e il XXI secolo), è un puzzle ambizioso e inquietante che affronta la femminilità e i traumi taciuti tra generazioni. Man mano che dialoghi e situazioni riecheggiano nel tempo e entrano in gioco alcuni elementi eterei, Schilinski destabilizza magistralmente lo spettatore attraverso enigmi che lo coinvolgono sempre più. Inutile dirlo, non è un film leggero da venerdì sera; ma chi cerca un gioiello d’autore dalla struttura quasi romanzesca, che annuncia la nascita di una voce registica promettente, farebbe bene a non lasciarselo scappare. DM

7) Backrooms

Ambientato nei toni beige e solitari dell’America rurale degli anni Novanta, Backrooms segue un venditore furioso (Chiwetel Ejiofor) e la sua terapeuta traumatizzata (Renate Reinsve) in uno spazio nascosto dietro un negozio di mobili. Senza finestre e silenzioso – a parte il ronzio a bassa frequenza delle luci al neon – sembra un rigurgito della realtà. Un luogo in cui incubi e nostalgia si mescolano, e ciò che temiamo di più si annida in un labirinto infinito di stanze moquette. Diretto dal ventenne Kane Parsons, è un risultato straordinariamente creativo e inquietante. Attraverso la lente della cultura di Internet, cattura le ansie contemporanee e i circoli viziosi di pensieri in cui finiamo per imprigionarci. AB

6) No Other Choice

Park Chan-wook sbaglia raramente, e No Other Choice è l’ennesimo promemoria del perché è uno dei migliori registi in attività. Questa commedia nerissima segue un padre di famiglia (interpretato da Lee Byung-hun) che perde il lavoro a causa dell’automazione e decide che l’unico modo per tornare in pista è eliminare fisicamente la concorrenza. In parte thriller, in parte satira e in parte commedia assurda, è feroce e divertentissimo, mentre offre una critica affilata al capitalismo, alla precarietà occupazionale e agli effetti disumanizzanti del lavoro moderno. Stiloso, imprevedibile e realizzato con grande maestria, merita molta più attenzione di quanta ne abbia ricevuta finora. TF

5) 28 Years Later: The Bone Temple

Il secondo capitolo della trilogia 28 Years è un film roboante e brutale che tiene uno specchio davanti alla società britannica – e si aggrappa alla gentilezza in un mondo corrotto dalla rabbia. Seguendo gli eventi di 28 Years Later, ritroviamo il giovane Spike (Alfie Williams), tenuto prigioniero da una gang violenta di adoratori del diavolo nota come i Jimmies. Nel frattempo, il dottor Ian Kelson (Ralph Fiennes) stringe un legame con un Alpha strappa-spine (Chi Lewis-Parry), rendendosi conto che il Rage Virus che ha devastato le isole britanniche potrebbe in realtà essere curabile. Grazie alla regia sicura di Nia DaCosta, il franchise viene elevato a spettacolo vorticoso di euforia e nausea; gli zombie lasciano il posto agli orrori – e alle speranze – dell’umanità. AB

4) The Testament of Ann Lee

Amanda Seyfried offre la migliore interpretazione della sua carriera in The Testament of Ann Lee, nei panni di una predicatrice del Settecento che guida gli Shakers, una setta di Quaker cantori. La sua feroce rappresentazione della devozione religiosa sostiene il dramma inclassificabile di Mona Fastvold, scritto insieme al suo compagno Brady Corbet (The Brutalist). È un biopic storico; uno strano musical folk coreografato; una rarità avvincente che mostra come gli atti spirituali di devozione possano manifestarsi sullo schermo attraverso l’empowerment femminile. Non sarà la tazza di tè di tutti – e metterà alla prova la pazienza a causa dei suoi 137 minuti di durata. Ma se ci si lascia travolgere dal suo ritmo febbrile e si accetta la sua elusività, The Testament of Ann Lee regala grandi soddisfazioni. Per quanto possa sembrare una richiesta impegnativa, vista la lunghezza, rivederlo una seconda volta provoca insieme stordimento e abbagliamento. DM

3) The Mastermind

Josh O’Connor ha continuato la sua ascesa verso la celebrità quest’anno con il romance in costume di Oliver Hermanus The History of Sound e con Disclosure Day di Steven Spielberg; ma il film nettamente superiore è The Mastermind di Kelly Reichardt. Presentato come un heist movie incentrato su un padre di famiglia in difficoltà che progetta di rubare opere d’arte da una galleria di periferia, somiglia molto di più a uno studio di personaggio a combustione lenta, tanto su un aspirante ladro quanto sul cosiddetto Sogno americano. Ambientato sullo sfondo della guerra del Vietnam, questo dramma naturalista è un capolavoro di osservazione silenziosamente magnetico sulla consapevolezza strisciante di poter essere l’artefice della propria rovina. Per l’uomo, attraverso un senso di diritto e una totale inconsapevolezza; per il Paese, attraverso un’ignoranza ostinata rispetto a un sistema che prepara tutti al fallimento. Rafforzato dalla grana della pellicola 35mm d’epoca e da un’attenzione ai dettagli d’epoca che registi meno rigorosi avrebbero trascurato, The Mastermind dimostra perché O'Connor è uno degli attori più richiesti della sua generazione. E conferma che Reichardt è la regista più distintiva e coerente della sua. DM

2) Pillion

Allacciate le cinture: Pillion di Harry Lighton è senza dubbio l’esordio alla regia più audace dell’anno – una disarmante storia d’amore queer BDSM, sorprendentemente tenera, che trova una profondità emotiva inaspettata sotto tutto il suo turbinio di sesso orale, ball gag, leccate di stivali e kink a volontà. Il film segue Colin (Harry Melling), un giovane goffo e solitario la cui vita ordinaria viene sconvolta quando incontra Ray (Alexander Skarsgård), il leader stoico e incredibilmente affascinante di una gang di motociclisti. Quando Colin viene catapultato (letteralmente) in un mondo di dominazione, sottomissione, kink e cultura biker, lo stesso accade allo spettatore. È recitato in modo superbo, davvero divertente e, incredibilmente, profondamente commovente. E certo, Skarsgård in pelle non guasta. TF

1) Kota (Hen)

Mentre molti assegneranno il primo posto a The Odyssey di Christopher Nolan, la nostra scelta numero uno per il 2026 finora va a un’altra odissea, anch’essa ambientata in Grecia. Adottando il punto di vista di una gallina che fugge da un allevamento intensivo in batteria, Hen del regista ungherese György Pálfi si sviluppa come un viaggio epico che va ben oltre le dimensioni aviari. Mescolando dark comedy e horror per il suo imprevedibile Chicken Run, il regista e il direttore della fotografia Giorgos Karvelas (che coglie in modo brillante un certo punto di vista "da uccello" della nostra protagonista piumata) mostrano le prove degne di Odisseo che la tenace gallina deve affrontare. Volpi, falchi, galli lussuriosi, cani e la crudeltà degli uomini, tutti disseminano il suo cammino pericoloso verso il rifugio. Il montaggio è eccellente, l’addestramento degli animali ha del miracoloso e la parabola sui limiti dell’umanità è avvincente. Pálfi non tira troppo questo filo – né quello dell’enfasi antropomorfa – anche quando i parallelismi con la realtà della globalizzazione e della tratta di esseri umani diventano evidenti. Il paragone con Gunda di Viktor Kossakovsky, EO di Jerzy Skolimowski o anche Cow di Andrea Arnold è inevitabile; benché il film più affine sia probabilmente Flow, vincitore dell’Oscar lo scorso anno. Tuttavia, ciò che Pálfi ha creato nel 2026 è qualcosa di davvero speciale. Ha dimostrato che le odissee più avvincenti e pericolose non hanno bisogno della scala più ampia, del budget più alto o dell’hype più febbrile. A volte basta una gallina combattiva che lotta per sopravvivere. DM

Ed eccoci qui. Se pensate che ci siano omissioni pesanti, vi assicuriamo che le assenze di Hamnet, Project Hail Mary, Disclosure Day e Toy Story 5 sono intenzionali. Dite la vostra nei commenti qui sotto.

Cosa ci è sfuggito e quali sono stati i vostri momenti cinematografici dell’anno?

Restate sintonizzati su Euronews Culture per scoprire quanti dei nostri titoli di metà anno entreranno nella lista dei Migliori film di fine anno. E non dimenticate di dare un’occhiata alla nostra classifica dei Migliori album del 2026... finora.